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Todo Está En Los Detalles – Madama Butterfly en Valencia

Madame Butterfly de Puccini es una ópera muy conocida, muy querida y, de hecho, popular. El género está repleto de femmes fatales, Butterfly, Tosca, Manon, Carmen, Lucía, Violetta y Katya, por ejemplo, que al final lo consiguen, por lo que podría pensarse que no hay mucho que ver en cuanto a nuevas perspectivas cuando tales se pone en escena una obra familiar con un tema tan bien trabajado. Los amantes de la ópera, sin embargo, confirmarán que definitivamente la hay.

Las audiencias tienden a dividirse en dos grupos distintos, aquellos para quienes cualquier desviación de sus propias ideas preconcebidas significa el fin de la civilización y aquellos para quienes la interpretación radical es un desafío bienvenido para el establecimiento. Sin embargo, existe otra perspectiva en la que los directores, a través de pequeños cambios en la puesta en escena, pueden transformar por completo la forma en que entendemos estas historias a menudo interpretadas de manera rígida. Tal fue el éxito de Emilio López, el director de la reciente producción en Valencia. Su puesta en escena de 2021 de Butterfly se transmitirá en Opera Vision el domingo 19 de diciembre y estará disponible a través de ese sitio web durante algunas semanas. Tiene éxito en varios niveles, uno de los cuales es revelador.

Comencemos con el término verismo. Eso ciertamente se aplicaba a la forma en que Puccini enfocaba su trabajo e implica que el escenario no debe ser palaciego y que los personajes pueden representarse como gente común. Podemos suponer que el compositor nunca experimentó el escenario de la ópera en Japón a mediados del siglo XIX, por lo que si el verismo se aplica a Butterfly, entonces se aplica principalmente a un nivel ideológico. Dicho esto, el potencial de la ópera para el drama de época suele superar tanto a los diseñadores y directores que incluso se oscurece el reconocimiento del verismo en el resultado. En otras palabras, todo se pone bonito antes de que pueda volverse creíble. Y es el verismo el que sufre.

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En el primer acto, Cio-Cio-san describe cómo proviene de un hogar pobre y se convirtió en geisha por falta de oportunidades. El Mikado le presentó a su padre la daga ceremonial que finalmente usa para quitarse la vida y le pidió que la usara en sí mismo. Debemos suponer que la familia de Butterfly ya estaba en desgracia. Luego agrava esta desgracia al rechazar sus tradiciones culturales y religiosas, un acto que el tío Bonze condena, lo que lleva a sus amigos y comunidad a rechazarla, todos excepto Suzuki, por supuesto. El hecho de que Puccini nos lleve luego a la escena de amor de la noche de bodas a menudo oscurece este rechazo. En la producción de Valencia, un telón de fondo que había protagonizado cerezos en flor se convierte en la noche estrellada del éxtasis de la pareja, pero lo hace derritiéndose como celuloide en un proyector recalentado, dando a entender que las reconfortantes flores del pasado han sido destruidas. La noche estrellada persiste en los actos dos y tres, pero así se convierte en un símbolo del continuo aislamiento y de la insistencia de Butterfly, más aún, imperativa de vivir en el pasado.

Cio-Cio-san a menudo se presenta como una mujer asiática mansa y, por lo tanto, estereotipada, que nunca ha practicado la palabra “bu” con gansos cerca. Como resultado, a menudo se convierte en la ingenua devota de Pinkerton, incluso simplona, ​​a pesar de que, como geisha, debe haber tenido experiencia con el marinero nocturno. La imagen suplicante la hace querer por el público, tal vez, pero la despoja de la identidad y la individualidad que ciertamente tiene, de lo contrario, nunca habría perseguido sus propios deseos privados con tanta determinación.

El punto es que ella no tiene muchas opciones. Ella es pobre. Ella es una geisha. Ella ha hecho su trabajo. Pinkerton le ofrece una salida, que ella, quizás ingenuamente, acepta. Pero una vez que ha hecho el compromiso, no puede volver atrás. Ella quiere complacerlo, pero al hacerlo sufre el rechazo de su propia comunidad. Pero ella tiene que aceptar el riesgo.

En Valencia, Emilio López reconoce que Cio-Cio-san vive en la pobreza. Ignorada por Pinkerton durante tres años y aún rechazada por su propia comunidad, ella y Suzuki viven en medio de la decadencia y la suciedad. La tentación de retratar a Butterfly todavía con su opulento atuendo de geisha no tiene sentido y se evita de manera convincente en esta producción. Suzuki confirma esta pobreza en el libreto. Lo que con demasiada frecuencia parece una fe ciega por parte de Butterfly ahora se convierte en una necesidad, impuesta por su comunidad debido a su rechazo por parte de ellos. Ella no puede volver. Ella no tiene otra opción. Este es un elemento de verismo en la ópera que los directores suelen pasar por alto.

Pero en esta producción valenciana, la verdadera sorpresa llega al final. Pinkerton ha regresado pero se ha negado a ver a Butterfly. Se marcha furioso porque no puede soportarlo más… Sin embargo, quiere al niño. Butterfly les dice a su nueva esposa estadounidense y a Sharpless que regresen en media hora para llevarse al niño. Tenga en cuenta que Pinkerton no ha escuchado su solicitud.

Sin embargo, Butterfly tiene sus propios planes, planes que implican usar esa arma ceremonial que su padre usó para suicidarse. Los elementos son claros.

Verdadera música R&B

La industria de la música ha evolucionado a lo largo de los años para mejor, sin duda. Los artistas discográficos de hoy pueden controlar sus propias canciones y catálogos siempre que no se agoten. Con los muchos artilugios y herramientas que se usan hoy en día para hacer nuevos sonidos con ciertos programas; los creadores de música no tienen que ser dotados o inclinados musicalmente para producir lo que escuchamos en la radio en estos días.

Mientras una persona pueda leer y tener un ritmo; entonces él o ella pueden obtener lo que quieren escuchar, al usar ciertas aplicaciones de música para hacer la música de su elección. Para músicos que realmente tocan instrumentos reales en el estudio y graban usando; a bajo, guitarras, teclados, instrumentos de viento y metal, tambores y otros instrumentos de percusión; junto con su herramienta principal su voz; esta es la verdadera música R&B.

Maurice White, fundador y ex miembro del legendario grupo Earth, Wind & Fire, tocaba uno de los muchos instrumentos que incluyen: batería, piano, timbales, voces y Kalimba. Su canción Kalimba Story escrita por White y coescrita por su hermano Verdine, grabada en 1974 en su álbum “Open Our Eyes”; esta particular pista de baile funky up-tempo presentaba el instrumento africano Kalimba. Hizo este instrumento musical muy popular en y alrededor del mundo. Maurice White fue un músico y vocalista dotado, creativo y talentoso y mucho más; su catálogo de música y su legado estarán presentes para las generaciones venideras.

El artista de hoy incluye, entre otros, Bruno Mars, H.E.R, Maxwell, Anthony Hamilton y otros artistas independientes como; PleasureMore, por nombrar algunos, está trayendo música nueva con una sensación de vieja escuela pionera y allanando el camino para mantener a flote el R&B en una industria musical dominante impulsada por el Hip-Hop. Quincy Jones declaró en su álbum “Back On The Block” de 1989 que el rap llegó para quedarse. Bueno, el R&B es la base del Hip-Hip y durará para siempre.

Aunque el negocio de la música continuará evolucionando con nuevos avances tecnológicos y leyes actualizadas relacionadas con diferentes plataformas de transmisión; Una cosa es cierta para los compositores, músicos y productores de discos que hacen música desde el corazón: siempre habrá amantes de la música que apreciarán y aceptarán la verdadera maestría musical. Para los artistas emergentes de hoy, mantente fiel a ti mismo y a la música que hay en tu corazón. Música, amor y paz es lo que se necesita para hacer del mundo un lugar mejor. La música es simplemente doce notas, ¡cómo usas esas doce notas define tu éxito!

Del Personal De Burgerkill A La Tarde De Colaboración Con Fonticello

A través del flujo de la música rock, si escuchas con atención, el material de Fonticello se asemeja a las características de la música metal del continente escandinavo.

Fonticello, un trío de Yogyakarta, eligió el camino del rock sinfónico para presentar su material que se resume en el mini álbum.

Lo que es único en esta banda es el instrumento de violonchelo que todavía es poco utilizado por algunos músicos indonesios en particular (especialmente la música rock), porque el violonchelo tiende a ser utilizado a menudo por músicos de jazz o clásicos. A diferencia de Fonticello, que toca el estilo rock.

A través del flujo de la música rock, si escuchas con atención, el material de Fonticello se asemeja a la música metal típica del continente escandinavo. Varias expresiones se revelan cada vez más al disfrutar de todo el material entre tensión, drama, entusiasmo, mezclado con composiciones musicales bastante variadas en cada partición.

Cada material está lleno de sonidos sinfónicos, pero no utiliza los fuertes golpes de los tambores, sino la presencia de gritos vocales. Fonticello también colaboró ​​con varios músicos como en la obra ‘Fake’ pidieron una sesión vocal de Arga (Arkenstoned) mientras que una sesión de batería de Arya (Dead Vertical).

Además del trabajo “Dying” le dieron la sesión vocal a Vicky Mono (Burgerkill) y para la sesión de batería a cargo de Bemby Gusti (Tarde).

Fonticello, que consta de Angga Pratala (Violonchelo principal y Voz principal), Hasnan (Ritmo, Riff Cellos y Scream Vocal) y Dior (Violonchelo bajo), incluye 6 canciones de rock sinfónico que son suficientes para hacer que los tímpanos se sobresalten con el ritmo de la música, Todo el material se puede ver a través del canal oficial de Fonticello.

Elija La Música De Boda Adecuada Para Su Recepción

La idea de reservar música para la recepción de la boda puede parecer simple, pero hay algunos detalles a considerar. El proceso es bastante simple: debes elegir una banda según tus gustos musicales y lo que creas que atraerá a la más amplia variedad de invitados. Los siguientes temas le ayudarán a reducir sus opciones para asegurarse de que usted y sus invitados lo pasen en grande.

ESTRICTO POR GÉNERO: si te gusta un cierto estilo de música (banda de rock, banda de jazz, banda de blues), entonces es una buena idea buscar ese estilo de entretenimiento. Confíe en que a su familia y amigos les gustará el tipo de música que le gusta, teniendo en cuenta el rango de edad y los diferentes orígenes de sus invitados. La mayoría de las buenas bandas son expertas en cierto tipo de estilo, pero ocasionalmente pueden hacer un pedido especial para hacer feliz a la abuela o cambiar a un iPod en un descanso para que los niños sigan bailando.

ESTRECHE LA PISCINA: después de tener una idea del género que está buscando, intente restringir su selección por sitios web diseñados para entretenimiento en vivo, como Gigmasters o Gigsalad. Estos sitios lo ayudarán a comparar y contrastar bandas de géneros similares en sus áreas y, a menudo, pueden ofrecer más de lo que está buscando que una búsqueda genérica de Google. No importa cómo reduzca su selección, use otros recursos web como YouTube para obtener más información sobre cómo suena realmente la banda en vivo.

¿A QUÉ JUGARÁN REALMENTE? Recuerde que las bandas varían en el enfoque de la lista de reproducción tanto como varían en estilo y tamaño. Algunas bandas ofrecen diferentes estilos de música. Otros vienen con una estricta “lista de canciones” (la lista de las canciones que tocarán en qué orden) porque lo hacen de esa manera siempre, y por eso la gente las ama. Otras bandas se enorgullecen de poder leer el estado de ánimo de la multitud y son flexibles momento a momento. Todos estos estilos tienen sus puntos fuertes. Puedes trabajar con la banda dependiendo de cuánta aportación quieras tener sobre canciones específicas, o cuánto quieras relajarte y dejar que la fiesta se desarrolle. (Consejo: si tienes una canción especial que definitivamente quieres escuchar, es útil que la banda lo sepa con anticipación para que puedan prepararse).

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HAGA UNA OFERTA: Pregunte sobre el precio de la banda, pero recuerde que puede hacer una oferta basada en su presupuesto. No existen precios firmes y rápidos, y una buena banda negociará con usted en función de sus necesidades. Vea si hay detalles adicionales que pueda necesitar proporcionar para la banda (puesta en escena, electricidad, un camerino también conocido como sala verde). Si su oferta es aceptada, la banda debe proporcionar un contrato detallado y puede pedirle que haga un depósito. Si usted y el artista aceptan los términos del contrato y pagan un depósito, entonces están obligados contractualmente a seguir adelante. Si el artista se niega, entonces no hay ninguna obligación adicional y su depósito es suyo. Ten cuidado. Una vez que se firma el contrato y la banda recibe el depósito, es como decir “¡Sí, quiero!”

EN EL GRAN DÍA: asegúrese de que la información de contacto de su organizador de bodas esté disponible para la banda con bastante anticipación. A menudo hay preguntas de última hora sobre la instalación, la entrada al espacio, la electricidad, etc., ¡que es mejor que alguien que no sea usted las responda! Tendrá suficiente en qué pensar el día de su boda, por lo que incluso si no tiene un planificador de bodas, es una buena idea asignar la tarea a un miembro de la fiesta de bodas o familiar cercano o amigo para que pueda concentrarse. al casarse. Coordinar la música entre la ceremonia y la recepción puede ser un lugar complicado, así que asegúrese de que haya una comunicación clara entre las bandas, usted y / o el coordinador de la boda sobre exactamente cómo debe ir esa transición.

Sobre todo, ¡recuerda divertirte! Es tu día especial, y deberías poder disfrutar de la recepción junto con tu familia y amigos mientras celebras la boda que siempre soñaste.

No limite la creación de su música, especialmente si se basa en el ojo público

¿Alguna vez te has sentido frustrado por si deberías o no dedicar la música principalmente a lo que la gente quiere, o más a lo que te gusta crear? ¿Alguna vez sintió que ya no disfrutaba creando música, ya sea vocal o instrumental, simplemente porque permitió que lo que alguna vez disfrutó se dejara a un lado para la demanda popular? ¿Alguna vez has dejado de escribir o hacer música, instrumentales o ritmos debido a esto?

De hecho, es la era de la demanda popular, donde cada vez hay más música, especialmente en la creación de música hip hop, rap o R&B, donde todo suena cada vez más como las canciones anteriores. Cada vez más personas están empezando a impulsar su música para que suene casi idéntica a las canciones que escuchan en la radio. Hace años, la originalidad prosperó más que hoy. Tanto los ritmos de hip hop como los de rap o R&B apuntan a la originalidad y la emoción en lugar de sonar como la siguiente canción. Hoy en día, parece que una canción o un instrumental no es “suficientemente bueno” a menos que suene casi idéntico a una canción que ya está en las ondas.

Entonces, ¿qué haces si eres una de las muchas personas que tienden a sentir que solo pueden ir en una dirección para hacer lo que todos quieren y dejar de crear lo que realmente disfrutas? ¿O ir en la otra dirección y hacer lo que desea con el riesgo de afectar su popularidad o crecimiento porque NO disfruta “hacer lo que todos los demás hacen”? ¿Simplemente renuncias? ¿Dejas que tu popularidad o tu crecimiento sufran? ¿Cuál es el menor de dos males? ¿Y por qué tiene que haber “un mal” y un camino decidido? ¿Por qué entra en juego tener que elegir entre uno u otro? ¿Por qué no se pueden hacer ritmos de hip hop, música rock e instrumentales de rap? ¿Y por qué no se puede hacer música que sea original y no convencional, además de hacer música que pueda sonar un poco amigable con la radio?

A menos que lo haga estrictamente para ganar dinero sin tener en cuenta la música, tener que decidir entre la popularidad sacrificada o la originalidad puede frustrar a cualquiera. Pero no tiene por qué ser frustrante. Es tan simple como equilibrar y difundir sus obras a una mayor variedad de géneros que centrarse en un estilo y tratar de ser “el mejor” en ese género. Concéntrese en las canciones o los temas instrumentales que le gusta escribir o crear, y luego cree periódicamente una pista o dos en un género con el que no se sienta muy cómodo. Te sorprenderá lo que se te ocurra, Y te ayudará a construir tu curva de aprendizaje para otros géneros que quizás quieras abordar.

Sugeriría escuchar diferentes canciones a lo largo de un período de tiempo semanal. Incluso puede tomar un lunes, por ejemplo, y escuchar música rock, tomar el martes y escuchar música hip hop, el miércoles y escuchar música gospel, y así sucesivamente. O deje a un lado un par de títulos para involucrar su mente.

Otra sugerencia si realmente estás tratando de abrir tu mente a melodías y música que disfrutarás creando con más emoción, es escuchar algunas partituras de películas o incluso música de videojuegos. Confíe y crea, puede abrir la mente más a algunas melodías complejas que no habría pensado usar en la música hip hop, la música rock o cualquier tipo de género que esté buscando. Limitarte a un género o incluso a un subgénero dentro de ese género (por ejemplo, escuchar solo el subgénero de música sucia del sur dentro del género hip hop) también limitará tu crecimiento en la música, a menos que solo te esfuerces por hacer un cierto tipo de música. instrumental.

Pero, ¿por qué limitarse a un género? Tener la capacidad de hacer temas instrumentales de hip hop, ritmos de rap, partituras instrumentales de películas cinematográficas o incluso temas instrumentales de gospel beneficia más que simplemente hacer ritmos de la costa este dentro del género de la música rap, por ejemplo. Abrir su mente y sus horizontes no solo puede beneficiar su estimulación mental para la música y los instrumentos en general, sino que también puede beneficiarlo a usted en la promoción de su música a otras personas que también pueden querer comprarle una canción o un instrumento que pertenece a un género que no le gustaría. no lo he creído posible.

Dicho esto, siempre procure escuchar a un artista diferente, ya sea rapero, cantante u otro músico, que esté fuera de su zona de confort, aunque sea una vez al día durante 10 minutos. Es posible que se sorprenda a sí mismo la próxima vez que decida diseñar una pista y se dé cuenta … “Wow … Y creo que eso lo aprendí escuchando a Weezer”. Mantén la música constante y la variedad siempre cambiando. Y siempre hazte la pregunta … “¿Qué me pasa cuando todos los seguidores dejan de seguir?”. Algo sobre lo que pensar. Nunca te limites … te alegrarás de no haberlo hecho.

Festivales De Música En El Reino Unido

Inglaterra puede ser gloriosa en el verano, el sol (en su mayoría) sale y la mente de la gente se vuelve hacia las festividades y la diversión, las carpas y los escenarios surgen por toda esa isla cetro y la música se balancea y sale de una miríada de oradores hacia los oídos de espera de los asistentes al festival.

Uno de los festivales más famosos que atiende al extremo del rock del espectro es Reading, un evento de tres días que dura de viernes a domingo.

Si tiene la tentación de ir a Reading o cualquier otro festival en el llamado horario de verano británico, es una buena idea llevar una tienda de campaña, pero una idea aún mejor es llegar con estilo en una autocaravana. Cama tibia y seca, duchas tibias y húmedas, es un poco burgués, pero la comodidad tiene sus ventajas: ¿crees que las estrellas duermen en una carpa?

Aquellos que deseen asistir con estilo generalmente deben solicitar un pase, ya que hay muchas reglas y regulaciones con respecto a dónde y por qué tener un vehículo de este tipo y se aplican y supervisan de manera rígida, por lo que vale la pena hacerlo según el libro. .

No hay muchos lugares que ofrezcan tres noches completas de rock y tres días completos de rock, junto con una vida de recuerdos, pero el Reading Festival es uno de ellos.

Actuando en cinco escenarios a tiempo completo, los mundialmente famosos como Guns n ‘Roses, Dizzee Rascal y Limp Bizkit han encabezado frente a miles, pero se pueden encontrar grupos más pequeños que compiten por la atención como The Big Pink, Kids in Glass Houses y Wild Beast. en escenarios más pequeños, con diverso talento, incluidos sets de DJ que se encuentran en los límites exteriores, en total al menos 50 actos durante tres días.

Para aquellos que decidan llevar una autocaravana a cualquier festival, sigan mi consejo: hay algunas reglas que se aplican estrictamente, siendo las más relevantes: no se permiten botes de gas, fogatas de tamaño razonable, no se permiten animales, con la excepción habitual de los perros guía registrados.

También es una buena idea reservar lo antes posible, los campings generalmente comienzan a permitir que las personas ingresen unos días antes del inicio oficial, pero solo con reserva anticipada y los titulares de boletos de fin de semana. Para aquellos que están a punto de (ver / escuchar) rock, los saludamos.

Música india: una guía completa

Si me pidieran que definiera la música india en una sola palabra, la describiría como atemporal. De hecho, la música de este vasto y enormemente diverso país ha resistido la prueba del tiempo. El hecho de que la música de la India sea admirada en todo el mundo dice mucho de su riqueza. Ninguna otra música del planeta puede pretender ser verdaderamente universal como la música india, que ha trascendido las barreras del lenguaje y las fronteras creadas por el hombre.

Música india: viaje atrás en el tiempo

La génesis de la música india se remonta a los Vedas o las sagradas escrituras de los hindúes. La música siempre ha sido una parte integral de la cultura y la tradición de la India. La diversidad étnica con la que uno se encuentra aquí es en gran parte responsable de la diferencia de sonidos. La música india se basa principalmente en un sistema de Raag y Taal. En pocas palabras, Raag significa melodía o escala en términos de música occidental y Taal se refiere a los ritmos rítmicos. Raag consta de 7 notas que se organizan en un patrón sistemático en el que Taal se repite en un formato determinado.

Hay varios géneros de música india. Aquí tienes una guía completa:

* Música clásica: la música clásica india es de dos variedades: la música indostánica y la carnática. La música indostánica prevalece en la parte norte del país, mientras que la música carnática tiene sus raíces en el sur de la India. Aunque los fundamentos de estas dos escuelas de música siguen siendo los mismos, difieren esencialmente en su interpretación. Pueden ser vocales e instrumentales.

* Música folclórica o desi: esta música proviene de los distintos estados del país cada uno diferente en su idioma y estilo, pero el impacto en el oyente es el mismo, serás transportado a la tierra de donde se originan ya sea Assam, Bengala o Tamilnadu. La música desi podría ser Bhangra de Punjab o Dandiya de Gujarat o Lavani del estado de Maharashtra. La mayoría de las canciones desi van acompañadas de bailes que complementan la música.

* Música ligera: este es un género extremadamente amplio que abarca música devocional, ghazals, canciones patrióticas y Quwallis. Sin embargo, la forma más popular de música ligera es la música de Bollywood e Indipop. Bollywood se refiere a la contraparte india de Hollywood, como en la industria cinematográfica india. Este es un spinner de dinero real con leyendas desde Lata Mangeshkar hasta RD Burman y AR Rehman logrando un estatus icónico. La música india es conocida en todo el mundo por sus remezclas, canciones de películas y números pop. La música de Bollywood es genial, no solo en la India, sino también en los EE. UU., El Reino Unido y partes del sur y este de Asia.

* Rock y metal: este género de música todavía está en su etapa incipiente y la gente prefiere escuchar Metallica y Def Leopard. Pero bandas como Parikrama, Zero y Nexus están ganando reconocimiento poco a poco.

Los sitios web sobre música india ofrecen todo lo que necesita saber sobre todo más allá del ámbito de la música. Estos sitios web se basan generalmente en Bollywood y contienen descargas de música de su artista, película o actor favorito. Hay fondos de pantalla, videos y clips de películas, trivia de todas las estrellas de Bollywood, entrevistas, eventos, reseñas de películas y música, opinión pública, clásicos de oro y los últimos éxitos. Puede comprar CD / DVD, enviarlos como regalo a la India y ver los nuevos lanzamientos, entre otras cosas.

La música india es extremadamente compleja y diversa, pero sigue siendo muy emocionante a su manera única. Una canción de la India tiene la capacidad de transportarte a otro mundo por completo. Feliz escucha.

Funk: La Fusión De Soul, Jazz, Rock Y Blues

La música funk puede no ser un idioma tan distinto como lo fue antes, sin embargo, la música funky todavía está aquí. El funk de hoy se ha convertido más en una mentalidad o un aspecto que en un género, y se pueden encontrar ejemplos de él en todos los estilos populares de música … rock, jazz, r & b, hip hop, house, techno, etc.

Estos estilos son música de baile y de alguna manera son el resultado de la revolución del rock and roll de los años cincuenta. Son, o fueron, al principio, bastante simples musicalmente, basados ​​en un compás de 2/4 o 4/4.

Desde el advenimiento de la banda de Little Richard (Long Tall Sally), luego algunos de esos miembros que ayudaron a moldear la marca de puro soul funk de James Brown (Doin ‘It To Death) hasta Miles Davis (Honky Tonk), Herbie Hancock (Chameleon) y el jazz eléctrico / funk de fusión de la Mahavishnu Orchestra (Eternity’s Breath) al ritmo de Frank Zappa (Cosmic Debris), el rock / blues / r & b funk de Jimi Hendrix (Who Knows) y Sly Stone (Sex Machine), y el funk de George Clinton (One Nation Under A Groove) p-funk, la música se volvió sofisticada.

Ya sea lento y sexy, o animado y duro, el funk de conducción es divertido de escuchar, escuchar, cantar o bailar. La música funk / funky tiene una actitud, una letra corta musical, pero con complejas armonías concordantes con los modos de expresión de los patrones de habla negra, es decir, “poner un poco de pie en él”, “¿me sientes?”.

La música tradicional dice: “24 hrs, 7 days a week”, la música funk no solo dice: “24/7”, sino que también la forma en que se dice está determinada por el género. Es musicalmente interesante para todos menos para los principiantes.

La base de la música funk / funky es el groove, que no es solo un riff musical particular tocado por un instrumento específico, sino también un sentimiento impartido a la música cuando varios instrumentos tocan su parte, que luego se entrelazan en complejas armonías.

La síncopa de latido / medidor (es decir, la firma de tiempo) es el otro componente de conducción, esto es lo que te hace querer moverte.

Cuando comparto música con mis amigos, a menudo me encuentro diciendo “mira esta parte” o “escucha este ritmo”.

El funk como género independiente prácticamente desapareció después de los 80. Aun así, el legado del funk todavía existe en la música de los artistas de hoy. Ya sea el Septeto de Mancha Sincopada de Skerik (Fry His A **), Shane Theriot (Punch), Medeski, Martin y Wood (Uncle Chubb), Soil and Pimp Sessions (Funky Goldman), Lettuce (Squad “Live”), el funk todavía ofrece el mortero que mantiene unida mucha de la música actual.

Mi historia de infancia: plantando la semilla de la música

Crecí en la década de 1980. Desde que tengo memoria, la música siempre ha estado a mi alrededor. Todo, desde ver películas en la televisión, hasta escuchar la radio en el automóvil, escuchar la radio en casa y, por supuesto, estaba MTV, que en ese momento solo tenía un 99% de videos musicales.

Desde temprana edad, estuve expuesto a música anterior a mi época, como The Beach Boys, The Beatles e incluso Steppenwolf. Mi mamá tenía esos álbumes en vinilo y tenía un estéreo grande con un tocadiscos. Ya sabes, era uno de esos estéreos de los 80 con esos grandes parlantes voluminosos que medían aproximadamente 4 pies de alto. Fueron tan geniales. Solía ​​mirar el trabajo de arte en su colección de discos mientras escuchaba, exploraba y descubría nuevos sonidos.

Entonces, cuando tenía 8 años, y crecí en la década de 1980, ya había estado expuesto a la música popular de los 50, 60 y 70. Luego, durante la mayor parte de mi infancia, estuve constantemente rodeada de música de los 80, que todavía amo más que cualquier otra década. Creo que es así como funciona. Tu música favorita proviene de aquello a lo que estuviste más expuesto cuando eras niño. No estoy seguro si escuché más o menos que cualquier otro niño, pero sé que pasé mucho tiempo sentado frente al estéreo de mi madre en total fascinación.

Cuando una de mis primas adolescentes mayores se enteró de que escuchaba mucho música, me dio 2 discos de vinilo de Def Leopard. Una vez que escuché a esa banda, supe que había encontrado algo especial. Tenía 9 años y estaba enganchado a Def Leopard. Ya sabía que era un adicto a la música.

Como mi mamá sabía que me encantaba escuchar música, me animó al regalarme un “boombox” para Navidad. Como mi boombox funcionaba con baterías, solía llevarlo al baño cuando tenía que ducharme. Creo que todos los niños odian tomar una ducha, así que solía hacerlo más tolerable escuchando música mientras me lavaba.

Fue entonces cuando pasamos a escuchar “cintas”. ¿Recuerdas esas cosas? Creo que la primera cinta que recibí fue “Thriller” de Michael Jackson, que creo que todos los humanos del planeta poseían en ese momento. Escuché ese álbum una y otra vez. También me metí más en el rock de los 80, continuando con mi obsesión por Def Leopard, Bon Jovi, y pasando a bandas de rock “más duro” como Guns ‘N’ Roses. En ese momento, la gente discutía si algunas de estas bandas de rock incluso tocaban música real. Mi teoría es que si una banda toca instrumentos reales como una guitarra, bajo, batería y escuchas una melodía, armonía y ritmo, estás escuchando música.

Luego, cuando tenía alrededor de 11 años, descubrí Metallica y supe que tenía que aprender a tocar la guitarra. Escribieron esta canción “Enter Sandman” y pensé que tenía los riffs de guitarra más geniales que jamás había escuchado. Me tomaría 2 años más antes de conseguir una guitarra y comprometerme a aprender a tocar un instrumento musical, pero mientras tanto, la música estaba en el centro de mi tiempo libre.

Una vez que obtuve mi primera guitarra, no hubo vuelta atrás. Tomé lecciones formales durante 5 años y luego fui a la universidad y obtuve una licenciatura en música y luego una maestría en música en interpretación de jazz. A medida que fui creciendo, me enamoré de la música clásica y el jazz. Es increíble cómo pasé de un género musical a otro y, hoy en día, todavía amo toda la música que mencioné en este artículo.

El punto de mi historia es que la “semilla de la música” se plantó a una edad temprana. Si eres un padre que lee esto y te gustaría que tu hijo aprenda a tocar un instrumento musical, entonces necesitas crear un ambiente desde el principio que esté lleno de música. Todo tipo de música: rock, pop, funk, folk, años 50, 60, 70, 80, 90, jazz y clásica. Siempre tenga música en el auto. Intente apagar la televisión y poner una estación de radio en su computadora mientras lava los platos, mientras cocina o mientras se relaja afuera en un día de verano. Su hijo se expondrá a él. Así es como siembras la semilla.

Su hijo no necesariamente necesita aprender a tocar un instrumento para poder ir a la universidad como estudiante de música. Ese no es el objetivo de aprender a tocar un instrumento. El objetivo es tener una educación integral y la formación musical proporciona enormes beneficios en otras áreas académicas como matemáticas, lectura y ciencias.

Por mi propia experiencia, descubrí en mi tercer año de secundaria que no solo disfrutaba aprender, sino que mi GPA realmente despegó a partir de ese momento. Estoy convencido de que fue mi formación musical lo que contribuyó a mi nueva apreciación por aprender en la escuela y mejorar mis calificaciones. Si hubiera comenzado a aprender un instrumento antes, también habría visto una mejora en mis calificaciones mucho antes. Se necesita tiempo antes de que los beneficios del entrenamiento musical se manifiesten a través de los puntajes de las pruebas y las calificaciones en Matemáticas, Lectura y Ciencias.

Así que siembre la semilla ahora, haga que su hijo se inicie en la música y observe cómo las calificaciones y los puntajes de las pruebas se disparan.

Excelentes Productos En Línea Para Guitarristas

Hoy en día, hay muchos productos excelentes disponibles en línea para guitarristas de todos los niveles. Ya sea que esté comenzando o haya jugado durante veinte años, hay algo para todos. Recientemente me encontré con el sitio que tenía información sobre algunos productos excelentes. Después de revisar el sitio, decidí profundizar en el curso de instrucción de JAMORAMA.

El curso JAMORAMA fue diseñado por Ben Edwards, el ex guitarrista principal de la popular banda “DegreesK”. Ya sea que desee comenzar una banda, tocar en clubes, escribir sus propias canciones originales o simplemente convertirse en un gran guitarrista, este curso tendrá lo que busca. No importa en qué nivel se encuentre (principiante, intermedio o avanzado), este curso tiene toda la información y la calidad de instrucción para que usted mejore. Lo bueno de este curso es que el propietario del sitio incluso está dispuesto a darte un curso de 6 días absolutamente gratis. Todo lo que hice fue ingresar mi nombre y correo electrónico y me lo enviaron de inmediato.

El curso completo en sí tiene 44 capítulos y 252 páginas de lecciones. Comenzando con un principiante completo de “No sé a dónde van mis dedos” y te lleva a “¿Cómo me volví tan bueno?” En el nivel avanzado de la guitarra. También hay 148 videos tutoriales paso a paso para que los siga. Al ver estos videos, realmente me impresionó la calidad. Hay varios ángulos de cámara y gráficos animados de vanguardia que son muy fáciles de seguir. Jam tracks, software adicional y consejos y trucos adicionales, todos también incluidos en el curso. Está totalmente respaldado por una garantía del 100%, por lo que si cree que no vale la pena, pídalo de vuelta.

Velocidad de grabación de guitarra

Me encontré con un curso en línea que es realmente diferente. Ahora, Guitar Burning Speed ​​definitivamente no es un curso solo para principiantes. Este es un curso para todos los que alguna vez soñaron con triturar como sus héroes. La velocidad de grabación de guitarra promete aumentar su velocidad de interpretación hasta en un 400%.

Guitar Burning Speed ​​te promete que en tan solo dos semanas podrás tocar tan rápido como los dioses de la guitarra como Eddie Van Halen, Yngwie Malmsteen, Joe Satriani, Kirk Hammett, Michael Angelo Batio, John Petrucci, Zakk Wylde, Slash , Randy Rhoads, Steve Vai, George Lynch, Ace Frehley, Herman Li.

Guitar Burning Speed ​​también viene con una muestra de ‘The CAGED Guitar Scale System’, este increíble libro te enseñará cómo tocar y escribir tus propios solos, improvisar en y teclear, ¡y ser capaz de volar sin esfuerzo por el diapasón sin siquiera pensar! Si unes los dos libros, te convertirás en un gran guitarrista.

Suena genial, pero ¿es cierto?

Bueno, después de aproximadamente una semana de seguir su sistema, comencé a notar mejoras definitivas. Mi velocidad inicial fue de alrededor de 120 bpm. Al final de la semana, estaba escogiendo cómodamente a 165 bpm.

Un salto en la velocidad de 45 bpm durante una semana puede no parecer tan importante para algunos, pero es un gran problema para mí, dado que tengo los dedos cortos para empezar. Siempre pensé que mi única esperanza sería que alguien inventara extensiones para los dedos. La razón por la que las técnicas de Charlie funcionan es porque se enfocan en los puntos débiles más comunes.

Para la mayoría de los guitarristas, las áreas problemáticas se reducen a la coordinación entre las manos derecha e izquierda, la velocidad de la mano que toca y la fuerza del dedo meñique. Charlie aborda todas estas áreas problemáticas y más a través de una serie de ejercicios enfocados diseñados para desarrollar fuerza y ​​velocidad en ambas manos.

Por ejemplo, uno de los primeros ejercicios se centra en la destreza de los dedos. La destreza, en lo que respecta a tocar la guitarra, significa la capacidad de mover un dedo mientras se mantienen quietos los otros dedos. También incluye material adicional muy útil, como: un metrónomo de escritorio, un libro tutorial rápido sobre el sistema de escala ‘enjaulado’ y un extenso conjunto de pistas de batería midi para que toques.