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Grabación De Voces En Casa

Cualquiera que haya grabado voces en una cinta sabe que hay una diferencia entre una interpretación sentida y algo que no es suficiente. Hay ciertos pasos que tomo para asegurarme de que mis propias actuaciones sean las mejores que pueda reunir.

Lo primero y más importante es descansar lo suficiente la noche anterior. Esto es un hecho. Tu cuerpo es tu instrumento y tiene que estar afinado. El sueño es, con mucho, el aspecto más importante.

El agua es el siguiente en importancia. No solo durante la actuación, sino que el día anterior es fundamental. Hidratarse. Tus acordes deberán estirarse, y cuanto más fácil sea para ellos, mejor control tendrás.

Algo que muchos artistas pasan por alto cuando se preparan para hacer una sesión de grabación es el aspecto psicológico de todo. Esto es algo que todo artista sabe y siente, sin embargo, no se expresa en todos los consejos que he encontrado. Particularmente me gusta el micrófono apuntando hacia abajo en un ángulo hacia mí, y encuentro que puedo sentir más si canto en un ángulo hacia arriba. Intente observar cómo está parado, hacia dónde se enfrenta, quién está en la sala de control … iluminación, incienso y estado de ánimo en general. Puede encontrar que algo completamente psicológico puede mejorar su rendimiento en un 100%. Todo el mundo tiene su ‘cosa’.

Una buena interpretación surge no solo del tiempo que se hace con el micrófono, sino también de la preparación, configuración y estado de ánimo de toda la sesión. Ten en cuenta estas notas la próxima vez que vayas a poner algunas voces y obtendrás la mejor interpretación posible.

Embryonic – The Flaming Lips en 2009

Embryonic será el tercer álbum de Flaming Lips de la década de 2000

Sin contar la banda sonora instrumental de su loca película Christmas on Mars, Embryonic será su tercer álbum lanzado en esta década (no se ha fijado una fecha de lanzamiento, pero es probable que se lance en algún momento de este otoño).

Yoshimi lucha contra los robots rosas (2002)

The Lips siguió al brillante álbum de 1999 The Soft Bulletin (definitivamente entre los mejores álbumes de la década de 1990 y, en mi opinión, sigue siendo el mejor álbum que The Lips ha grabado hasta ahora) con Yoshimi, que le dio a la banda un nuevo éxito comercial con canciones pegadizas como “Do ¿Te das cuenta?” y la pista del título.

Este fue un giro electrónico a la izquierda (posiblemente inspirado en Kid A de Radiohead) que a algunos fanáticos de Lips no les gustó, pero que muchos sintieron que era su mejor álbum hasta el momento. Definitivamente atrajo a muchos nuevos fanáticos al grupo.

En guerra con los místicos (2006)

La banda tardó cuatro años en lanzar su próximo álbum. Y aunque At War with the Mystics alcanzó el puesto 11 en las listas de Billboard (la posición más alta de la historia para la banda), muchos fanáticos de Lips (incluyéndome a mí) lo ven como una decepción.

No es un álbum horrible e incluye algunas canciones geniales. Pero la producción deja algo que desear (tiene una calidad de “plástico” sobrecomprimida) y debido a los fantásticos álbumes que The Lips ha estado lanzando desde 1990 (lo siento, no soy un fanático de su material de los 80) palideció en comparación. con el trabajo anterior de Lips.

Embrionario (2009)

Yo, como muchos otros fans de Lips, me sorprendió el anuncio de que Lips lanzaría un nuevo álbum en 2009 y que en realidad sería un álbum doble.

Hasta ahora he podido escuchar tres canciones del álbum (las publicadas en el Embryonic Digital EP) y me tienen bastante emocionado. Creo que son una nueva dirección emocionante para la banda. Más suelto y más experimental que su último álbum (que sonaba demasiado sintético y un poco “seguro” según los escandalosos estándares de Lips).

Pero, ahora que se publicó la lista de canciones del álbum, parece que Wayne Coyne (el cantante principal de la banda) realmente se refería a un “LP doble” y no a un “CD doble” cuando dijo que Embryonic sería un álbum doble porque los tiempos de ejecución de las pistas solo suman hasta unos 70 minutos, lo que cabe en un CD.

Elija La Música De Boda Adecuada Para Su Recepción

La idea de reservar música para la recepción de la boda puede parecer simple, pero hay algunos detalles a considerar. El proceso es bastante simple: debes elegir una banda según tus gustos musicales y lo que creas que atraerá a la más amplia variedad de invitados. Los siguientes temas le ayudarán a reducir sus opciones para asegurarse de que usted y sus invitados lo pasen en grande.

ESTRICTO POR GÉNERO: si te gusta un cierto estilo de música (banda de rock, banda de jazz, banda de blues), entonces es una buena idea buscar ese estilo de entretenimiento. Confíe en que a su familia y amigos les gustará el tipo de música que le gusta, teniendo en cuenta el rango de edad y los diferentes orígenes de sus invitados. La mayoría de las buenas bandas son expertas en cierto tipo de estilo, pero ocasionalmente pueden hacer un pedido especial para hacer feliz a la abuela o cambiar a un iPod en un descanso para que los niños sigan bailando.

ESTRECHE LA PISCINA: después de tener una idea del género que está buscando, intente restringir su selección por sitios web diseñados para entretenimiento en vivo, como Gigmasters o Gigsalad. Estos sitios lo ayudarán a comparar y contrastar bandas de géneros similares en sus áreas y, a menudo, pueden ofrecer más de lo que está buscando que una búsqueda genérica de Google. No importa cómo reduzca su selección, use otros recursos web como YouTube para obtener más información sobre cómo suena realmente la banda en vivo.

¿A QUÉ JUGARÁN REALMENTE? Recuerde que las bandas varían en el enfoque de la lista de reproducción tanto como varían en estilo y tamaño. Algunas bandas ofrecen diferentes estilos de música. Otros vienen con una estricta “lista de canciones” (la lista de las canciones que tocarán en qué orden) porque lo hacen de esa manera siempre, y por eso la gente las ama. Otras bandas se enorgullecen de poder leer el estado de ánimo de la multitud y son flexibles momento a momento. Todos estos estilos tienen sus puntos fuertes. Puedes trabajar con la banda dependiendo de cuánta aportación quieras tener sobre canciones específicas, o cuánto quieras relajarte y dejar que la fiesta se desarrolle. (Consejo: si tienes una canción especial que definitivamente quieres escuchar, es útil que la banda lo sepa con anticipación para que puedan prepararse).

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HAGA UNA OFERTA: Pregunte sobre el precio de la banda, pero recuerde que puede hacer una oferta basada en su presupuesto. No existen precios firmes y rápidos, y una buena banda negociará con usted en función de sus necesidades. Vea si hay detalles adicionales que pueda necesitar proporcionar para la banda (puesta en escena, electricidad, un camerino también conocido como sala verde). Si su oferta es aceptada, la banda debe proporcionar un contrato detallado y puede pedirle que haga un depósito. Si usted y el artista aceptan los términos del contrato y pagan un depósito, entonces están obligados contractualmente a seguir adelante. Si el artista se niega, entonces no hay ninguna obligación adicional y su depósito es suyo. Ten cuidado. Una vez que se firma el contrato y la banda recibe el depósito, es como decir “¡Sí, quiero!”

EN EL GRAN DÍA: asegúrese de que la información de contacto de su organizador de bodas esté disponible para la banda con bastante anticipación. A menudo hay preguntas de última hora sobre la instalación, la entrada al espacio, la electricidad, etc., ¡que es mejor que alguien que no sea usted las responda! Tendrá suficiente en qué pensar el día de su boda, por lo que incluso si no tiene un planificador de bodas, es una buena idea asignar la tarea a un miembro de la fiesta de bodas o familiar cercano o amigo para que pueda concentrarse. al casarse. Coordinar la música entre la ceremonia y la recepción puede ser un lugar complicado, así que asegúrese de que haya una comunicación clara entre las bandas, usted y / o el coordinador de la boda sobre exactamente cómo debe ir esa transición.

Sobre todo, ¡recuerda divertirte! Es tu día especial, y deberías poder disfrutar de la recepción junto con tu familia y amigos mientras celebras la boda que siempre soñaste.

No limite la creación de su música, especialmente si se basa en el ojo público

¿Alguna vez te has sentido frustrado por si deberías o no dedicar la música principalmente a lo que la gente quiere, o más a lo que te gusta crear? ¿Alguna vez sintió que ya no disfrutaba creando música, ya sea vocal o instrumental, simplemente porque permitió que lo que alguna vez disfrutó se dejara a un lado para la demanda popular? ¿Alguna vez has dejado de escribir o hacer música, instrumentales o ritmos debido a esto?

De hecho, es la era de la demanda popular, donde cada vez hay más música, especialmente en la creación de música hip hop, rap o R&B, donde todo suena cada vez más como las canciones anteriores. Cada vez más personas están empezando a impulsar su música para que suene casi idéntica a las canciones que escuchan en la radio. Hace años, la originalidad prosperó más que hoy. Tanto los ritmos de hip hop como los de rap o R&B apuntan a la originalidad y la emoción en lugar de sonar como la siguiente canción. Hoy en día, parece que una canción o un instrumental no es “suficientemente bueno” a menos que suene casi idéntico a una canción que ya está en las ondas.

Entonces, ¿qué haces si eres una de las muchas personas que tienden a sentir que solo pueden ir en una dirección para hacer lo que todos quieren y dejar de crear lo que realmente disfrutas? ¿O ir en la otra dirección y hacer lo que desea con el riesgo de afectar su popularidad o crecimiento porque NO disfruta “hacer lo que todos los demás hacen”? ¿Simplemente renuncias? ¿Dejas que tu popularidad o tu crecimiento sufran? ¿Cuál es el menor de dos males? ¿Y por qué tiene que haber “un mal” y un camino decidido? ¿Por qué entra en juego tener que elegir entre uno u otro? ¿Por qué no se pueden hacer ritmos de hip hop, música rock e instrumentales de rap? ¿Y por qué no se puede hacer música que sea original y no convencional, además de hacer música que pueda sonar un poco amigable con la radio?

A menos que lo haga estrictamente para ganar dinero sin tener en cuenta la música, tener que decidir entre la popularidad sacrificada o la originalidad puede frustrar a cualquiera. Pero no tiene por qué ser frustrante. Es tan simple como equilibrar y difundir sus obras a una mayor variedad de géneros que centrarse en un estilo y tratar de ser “el mejor” en ese género. Concéntrese en las canciones o los temas instrumentales que le gusta escribir o crear, y luego cree periódicamente una pista o dos en un género con el que no se sienta muy cómodo. Te sorprenderá lo que se te ocurra, Y te ayudará a construir tu curva de aprendizaje para otros géneros que quizás quieras abordar.

Sugeriría escuchar diferentes canciones a lo largo de un período de tiempo semanal. Incluso puede tomar un lunes, por ejemplo, y escuchar música rock, tomar el martes y escuchar música hip hop, el miércoles y escuchar música gospel, y así sucesivamente. O deje a un lado un par de títulos para involucrar su mente.

Otra sugerencia si realmente estás tratando de abrir tu mente a melodías y música que disfrutarás creando con más emoción, es escuchar algunas partituras de películas o incluso música de videojuegos. Confíe y crea, puede abrir la mente más a algunas melodías complejas que no habría pensado usar en la música hip hop, la música rock o cualquier tipo de género que esté buscando. Limitarte a un género o incluso a un subgénero dentro de ese género (por ejemplo, escuchar solo el subgénero de música sucia del sur dentro del género hip hop) también limitará tu crecimiento en la música, a menos que solo te esfuerces por hacer un cierto tipo de música. instrumental.

Pero, ¿por qué limitarse a un género? Tener la capacidad de hacer temas instrumentales de hip hop, ritmos de rap, partituras instrumentales de películas cinematográficas o incluso temas instrumentales de gospel beneficia más que simplemente hacer ritmos de la costa este dentro del género de la música rap, por ejemplo. Abrir su mente y sus horizontes no solo puede beneficiar su estimulación mental para la música y los instrumentos en general, sino que también puede beneficiarlo a usted en la promoción de su música a otras personas que también pueden querer comprarle una canción o un instrumento que pertenece a un género que no le gustaría. no lo he creído posible.

Dicho esto, siempre procure escuchar a un artista diferente, ya sea rapero, cantante u otro músico, que esté fuera de su zona de confort, aunque sea una vez al día durante 10 minutos. Es posible que se sorprenda a sí mismo la próxima vez que decida diseñar una pista y se dé cuenta … “Wow … Y creo que eso lo aprendí escuchando a Weezer”. Mantén la música constante y la variedad siempre cambiando. Y siempre hazte la pregunta … “¿Qué me pasa cuando todos los seguidores dejan de seguir?”. Algo sobre lo que pensar. Nunca te limites … te alegrarás de no haberlo hecho.

Lección De Guitarra De Rock: Acordes Y Escalas Para Guitarra

Hay muchos mitos en el mundo de hoy, tanto probados como no probados. Los mitos más comunes son generados por padres o abuelos para mantener a los niños disciplinados o en línea. Los mitos también tienden a provenir de historias imaginarias, a menudo creídas por los niños más pequeños, o simplemente por aquellos que son demasiado ingenuos para ver la verdad. La música también encierra diferentes tipos de mitos. Hay mitos y leyendas sobre guitarras embrujadas, o mitos sobre artistas musicales famosos que mueren aproximadamente a la misma edad, como Kurt Cobain, Jim Morrison, Jimmi Hendrix, Janis Joplin y el último artista en agregar a la lista, Amy Winehouse. Todos murieron a la misma edad de 27 años, y todos eran famosos por tener un gran talento con vidas trágicamente truncadas. También existen otros mitos relacionados con la música, como que la música te ayudará a ser más inteligente.

La música influye en muchas de nuestras emociones, especialmente en las emociones básicas de tristeza, felicidad e ira. La felicidad se puede aumentar escuchando canciones alegres y alegres. Escuchar canciones más lentas y tristes a menudo puede hacerte llorar o llorar más fuerte, según sea el caso. La ira también es una emoción que se puede realzar a través de la música. Una de las formas de música más comunes que realza esto es la música rock o metal. Se puede decir que el rock es el padre de la música metal, donde el metal se formó a partir del rock mismo. El metal es más duro, pero tanto el metal como la roca pueden encenderse o agregar más combustible a la ira de uno, o liberarla según sea el caso. Sin embargo, todas estas emociones prueban una cosa acerca de la música: es un gran alivio para el estrés. Sin embargo, para algunos es casi descabellado creer que la música puede mejorar la inteligencia. ¿O es eso?

El efecto Mozart es una actividad realizada para aumentar la inteligencia humana. Se llama Efecto Mozart porque la música utilizada para esta prueba es la Sonata de Mozart. La mayor parte de la investigación sobre el efecto Mozart se ha realizado en estudiantes universitarios y se ha demostrado estadísticamente que aumenta sus niveles de coeficiente intelectual a 8-9 puntos con un aumento que dura de 10 a 15 minutos después de escuchar durante 10 minutos. Algunas noticias incluso afirmaron que la música de Mozart mejora la inteligencia de un bebé. Aunque todavía no se han realizado pruebas que demuestren que la música influye en la inteligencia de un bebé. Los estudios han demostrado que los estudiantes de música recibieron más honores y premios académicos que los estudiantes que no son de música. Otro estudio informó que las lecciones de música para niños ayudan a agudizar sus mentes a medida que crecen y maduran.

Para el feto, también hay estudios que muestran la capacidad del feto para escuchar sonidos mientras está en el útero. Los bebés responden con un aumento de la frecuencia cardíaca y otros indicadores fisiológicos. Muchos estudios han informado que un cambio en la frecuencia cardíaca indica un signo positivo de que el feto ha sido estimulado por la música. La exposición a la música en el período prenatal aumenta la atención de los recién nacidos, más imitación de sonido y vocalización más temprana. El feto escucha principalmente la voz de su madre, así como la respiración de su madre y sus otros sonidos internos. Es por eso que los bebés recién nacidos prefieren escuchar la voz de su madre porque la voz de una madre es literalmente música para los oídos de un niño. Por lo tanto, cantar junto con la música mientras su hijo aún no ha nacido tendrá algunos beneficios positivos al nacer.

Algunos científicos no están de acuerdo con la teoría de que un aumento de la frecuencia cardíaca indica una respuesta positiva en el feto. Podría ser que el aumento de la frecuencia cardíaca de un feto sea una señal de que el bebé no se siente cómodo con el sonido. Por supuesto, no se pueden reproducir todos los tipos de música para un bebé. El bebé responde a lo que escucha. Las mujeres embarazadas deben elegir cuidadosamente qué música debe escuchar su bebé. La música clásica y los sonidos de la naturaleza pueden ser tranquilizadores para el bebé, mientras que los ruidosos pueden no ser tan agradables.

Una vez más, todavía no hay pruebas concretas de que escuchar música mejore definitivamente la inteligencia del feto. Sin embargo, la música clásica estimula diferentes áreas del cerebro, lo que estimula mejores conexiones en el cerebro. La hipótesis dice que el aumento de conectores dará como resultado una memoria mejorada. Múltiples estudios han demostrado que los bebés reconocen los sonidos o la música que escuchan durante el embarazo. Es muy importante que la madre esté relajada y cómoda ya que el bebé se ve afectado por las emociones de la madre. La música relajante ayuda a la madre y al bebé a relajarse, mientras que la música fuerte perturba a la madre e inicia al bebé.

Lección de guitarra de rock: acordes y escalas para guitarra

Esta lección de guitarra rock explicará los acordes y escalas de uso común que se usan en la música rock. La música rock esencialmente surgió del blues; muchos de los componentes del rock también serán comunes a la música blues.

Con la música rock hay acordes comunes que se utilizan, siendo los más comunes el acorde de 5 o el acorde de potencia, los acordes mayores y menores. El acorde de 5 es simplemente la nota fundamental y la quinta perfecta y se puede tocar simplemente usando estas dos notas o agregando la raíz una octava usando tres cuerdas. Este acorde se utiliza ampliamente en música rock, hard rock, metal y punk. El acorde se toca comúnmente con la nota fundamental en la cuerda E baja o en la cuerda A, pero un acorde de 5 también se puede tocar con menos frecuencia sobre las cuerdas más altas, lo que da un sonido más brillante. Debido a que la mayoría de los acordes se construyen usando una raíz y una quinta, es importante saber cómo usar los 5 acordes, ya que son un trampolín para aprender la mayoría de los otros acordes en la guitarra.

Los siguientes acordes de guitarra de rock más utilizados son los acordes mayores y menores. Si tomamos un acorde de 5 y simplemente agregamos un 3 bemol, creamos un acorde menor. Si agregamos un 3 mayor creamos un acorde mayor. Es común en la guitarra rock usar estos acordes en la posición abierta en el diapasón, pero se pueden tocar en cualquier parte del diapasón.

En la guitarra rock, las escalas más comunes que se utilizan para hacer solos son la pentatónica menor, la pentatónica mayor y las escalas de blues. De estas, las escalas pentatónica y blues menores serían las más utilizadas. La escala pentatónica menor se puede tocar sobre una progresión de acordes mayor o menor y es una de las favoritas entre muchos guitarristas solistas. Esta escala es extremadamente versátil y debería ser la primera escala que se aprenda al estudiar la guitarra de rock.

La Música Y Su Efecto Estético En La Mente Humana

¿Qué es música?

La palabra “música” debe su origen a la palabra griega “mousike” que significaría el “arte de las Musas” hasta la época contemporánea. En realidad, es una forma de arte cuyo medio es el sonido y es percibido por nuestro órgano auditivo conocido como oído.

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Definición de Música

Hubo una fuerte controversia entre filósofos, músicos, lexicógrafos y compositores, en cuanto a su definición. Muchos críticos lo han averiguado, definido y redefinido en diferentes dimensiones como: organización, agrado, intención, construcción social, procesos perceptivos y de compromiso, aspectos universales o semejanzas familiares, y por contraste o definición negativa. Más recientemente, varios científicos sociales y naturales han llegado a una conclusión y prefieren definir la música como “una forma artística de comunicación auditiva que incorpora tonos instrumentales o vocales de manera estructurada y continua”.

¿Por qué escuchamos música?

Ahora es la pregunta más interesante por qué escuchamos música. La respuesta sería compleja y vaga según las diferentes psiques de diferentes personas. En una dimensión temporal adecuada, la música expone también información y efectos sonoros rítmicos orgánicos. Tiene un buen efecto de disparo en nuestra mente y nos agrada una vez que lo aprehendemos adecuadamente. Una gran y buena canción nos brinda un placer estético que refresca nuestras mentes y evoca una confianza insaciable para escucharla. Una gran canción con variaciones intenta evaluar una sinfonía a partir de la cacofonía. Se homogeneiza a partir de elementos heterogéneos. De modo que podemos llegar a la conclusión de que escuchamos música para restaurar el equilibrio mental, refrescar nuestro abdomen, desechar nuestro aburrimiento y finalmente obtener un placer estético de ello.

Tipos de musica
La música puede ser de diferentes géneros como: música clásica, música rock, música metal, música hip-hop, música de ceremonia de boda, música trance, jazz, música folclórica, techno, música, música de ópera, rap, rock, disco y pop rock, etc. Ultima Music, una empresa de soluciones de música de extremo a extremo, ofrece Disc Jockeys amigables, profesionales y confiables en Melbourne, Victoria y Australia. Desde 1990 la empresa ha ido ganando popularidad por su óptimo servicio a sus clientes. Esto ha sido posible solo para los trabajos de investigación y el análisis cualitativo del músico y compositor de clase mundial de la compañía que realiza una lluvia de ideas sobre música innovadora con un paralelismo con todo el meollo de los efectos estéticos de la música. La compañía tiene una reputación a largo plazo por su servicio en Disco DJ, Birthday DJ y Corporate DJ.

El sonido que hace la música

La música es hermosa. Es el sonido que hace el alma humana cuando habla. Disfrutamos del sonido de la música porque habla directamente con cualquier sustancia que nos haga seres mortales.

La música comenzó tan pronto como el hombre adquirió el sentido del oído. Cuando escuchó el viento sacudir las hojas de los árboles, la cascada chocando contra las rocas, los pájaros emitiendo sonidos extraños sobre el cielo azul y la lluvia cayendo sobre la hierba verde, escuchó música. El instrumento musical más básico es la naturaleza, y de la naturaleza se derivan todos los demás instrumentos musicales.

No tenemos forma de saber cómo sonaba la música antigua. No había grabadoras, CD, compañías discográficas ni computadoras. Si quisieras escuchar una canción, tendrías que hacer una. La música nunca tuvo una historia tangible hasta que comenzó a escribirse. Al poner música por escrito, pudimos reproducirla, como lo hacemos hoy con nuestros Ipods, excepto que no es tan simple. ¡Para reproducirlo necesitábamos tocarlo en vivo!

Pero en 1877, Thomas Edison creó el fonógrafo y cambió todo eso. Grabó la primera canción de la historia, su propia versión de ‘Mary Had a Little Lamb’. Desde ese momento en adelante, hemos tenido una extensa colección de obras musicales.

Música clásica, rock, rap, orquesta, jazz, blues, country y la lista continúa. Nuestra sociedad se ha vuelto dependiente de la música. En este mundo moderno y confuso, necesitamos un medio para explicar cómo nos sentimos. La música es el medio de expresión más accesible del mundo. Es el mejor psiquiatra. El mejor consejero. Nos muestra cómo nos sentimos.

Cierra los ojos un minuto e imagina que la música no existía. Concéntrese en un mundo en el que no sean posibles los sonidos musicales. Donde no existían pianos y guitarras. Donde nadie cantaba ni tarareaba una melodía. Fingir que las películas no tenían música y los coches no venían con radio. Sin iPods ni auriculares. Imagina un mundo vacío de todo lo que es música.

Éxitos De La Música Pop, No Lo Que Solía Ser

Los éxitos de la música pop a lo largo de las generaciones realmente han cambiado mucho y no más que en los últimos cinco años. A lo largo de la evolución de la música popular hasta los últimos 20 años, la música pop suele abarcar sólo un género musical. Tenga en cuenta la música barroca, renacentista y clásica. La música fue de diferentes compositores pero se mantuvo dentro del mismo tipo de categoría musical. Cuando la música grabada entró en escena y comenzó a transmitirse por ondas de radio, la transmisión de los éxitos de la música pop se volvió diferente, pero no su mandato general, que era que aún conservaba su origen en un tipo de música.

Piense en la llegada del jazz a principios del siglo XX. El jazz prevaleció durante un tiempo como el tipo principal de música pop. Todo lo que escuchaste tendría un toque de jazz. Estamos hablando de pop jazz aquí, no de blues, el blues, aunque popular entre los propios músicos, era más un género influyente que uno popular. Luego, por supuesto, estaba el rock and roll, que realmente dominó la cultura del éxito de la música pop hasta la llegada de Motown y la música R&B.

El rock and roll y el R&B dominaron la música pop hasta que llegó el disco y luego, en pequeña medida, la música country ganó cierta popularidad como género principal. Los 70 fueron una mezcla de rock, R&B, baladas y música country, mezclados con un poco de kitsch. ¿Recuerdas, CW McCall? El rock y el R&B siguieron dominando, aunque demostraron su resistencia hasta finales de la década de 1980, cuando el Rap entró en escena. La mezcla de éxitos de la música pop empezó a cambiar un poco. El rock and roll estaba siendo eliminado un poco por el rap y el R&B y ya no era la fuerza dominante en el pop.

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Hoy en día, los éxitos de la música pop se han convertido en una amalgama de todos los géneros musicales. Puedes tener una canción country, una canción de R&B y canciones de rap en una lista de pop. De hecho, incluso las estaciones de radio han cambiado de formato para ser más ubicuas y menos enfocadas en un solo tipo de música. Las influencias siguen ahí gracias al rock and roll, pero la cadencia y las melodías en sí mismas han cambiado y se han transformado en la mezcla de música pop que hemos adoptado en los últimos cinco años. Como todo, la música pop ha progresado y se ha expandido exponencialmente en el siglo XXI, la mayor parte de lo cual ha ocurrido solo en los últimos cinco años.

¿Qué son las pestañas? Aprende a leer música de guitarra

Una forma fácil de aprender a leer música de guitarra es el uso de “tabs” o tablatura. Puede encontrar pestañas en Internet y es el método generalmente aceptado para obtener una versión fácil de leer de la música en papel. De hecho, es posible que haya encontrado sitios web de pestañas en su búsqueda de recursos de guitarra.

No me refiero a las notas en una partitura (ya sabes, todos los círculos y palos que parecen renacuajos). No, estoy hablando de las líneas con números. Los números le muestran qué traste en cada cuerda colocar sus dedos. Si se da cuenta, la partitura musical solo tiene cinco líneas horizontales, mientras que las pestañas tienen seis líneas horizontales, cada una de las cuales significa una cuerda.

Cuando tenga la suerte de utilizar tablatura hecha profesionalmente, normalmente tendrá la partitura musical como el conjunto superior de líneas y las pestañas como el conjunto inferior de líneas. Esta es una excelente manera de familiarizarse con las partituras y comenzar a aprender los conceptos básicos de la teoría musical. Eso puede sonarle aburrido, pero aprender teoría musical solo puede ayudarlo a aprender a leer música de guitarra a largo plazo.

El principal desafío que tiene al usar las pestañas es que realmente no puede saber cuál debería ser el tempo (velocidad de la canción) para la música. También es difícil conocer el ritmo. Aquí es donde la partitura musical resulta útil. Sin embargo, cuando recién está comenzando, es más rápido escuchar una grabación de la canción que desea tocar para que esté familiarizado con el ritmo y el tempo.

Otra cosa a considerar es que cualquiera puede crear pestañas para una canción, por lo que puede encontrar muchas versiones de una canción. Deberá juzgar la precisión de la tablatura. Sugeriría revisar al menos tres versiones de la pestaña de una canción antes de decidirse por aprender una en particular.

Los puristas musicales pueden ver las tablaturas como una muleta para un entrenamiento musical adecuado, pero no dejaría que eso me impida usar la tablatura. Al final del día, si puede tocar y disfrutar de la música, se logrará el objetivo principal de aprender la canción. ¡¿A quién le importa lo que piensen los demás ?!

Te animo a que intentes comprender algo de teoría musical a medida que aprendes a leer música de guitarra. Simplemente no me preocuparía convertirlo en un enfoque principal. Hay tiempo para aprender estas cosas, así que diviértete, haz música, ¡muévete con tus amigos!

 

Obtener Un Buen Sonido En Vivo

Obtener un buen sonido en vivo no es ciencia espacial y no necesita una mesa de mezclas Midas Heritage de 42 canales con 10 envíos auxiliares, ecualizador paramétrico de 4 bandas y una carga de equipo externo que necesita catorce roadies para moverlo y un cable especializado para configurar arriba.

Si ya tienes un PA con una mesa de mezclas decente, estás a mitad de camino. Lo primero en lo que pensar es en el nivel de entrada. Es necesario que no haya silbidos ni zumbidos en todos los canales que usará y también asegúrese de que los canales no estén en picos, ya que esto puede provocar distorsión y retroalimentación.

Ahora que tiene un buen nivel de entrada limpio, pruebe con alguna ecualización o EQ. Esta parte dependerá de la mesa de mezclas que estés usando. La mayoría de los escritorios tienen un ecualizador de tres bandas en cada canal. Esto le permitirá cambiar las frecuencias altas, medias y bajas de su nivel de entrada. Es mejor echar un vistazo a su folleto de instrucciones para ver en qué frecuencias están configuradas.

Si tiene la suerte de tener un mezclador más caro que tiene frecuencias de barrido e incluso un control Q, entonces debería poder lograr el sonido que desee para el canal en el que está trabajando.

Ahora bien, no es de mucha utilidad la panoramización dentro del sonido en vivo en lugares pequeños (en los que muchos de nosotros comenzamos con bandas originales, de funciones y de espectáculos) ya que el sonido se reflejará en las paredes. Una pequeña cantidad puede ayudar a resaltar las voces si se dejan en el centro y todo lo demás está encuadrado.

Se pueden agregar diferentes efectos a sus canales. Estos dependerán de lo que quieras hacer con la señal. Si desea agregar algo de reverberación a una voz, debe agregar algo de retardo y verbo. Si desea obtener un sonido de bombo realmente ajustado y contundente, necesitará una compuerta y un compresor.

Los efectos se pueden agregar a una señal de diferentes maneras Pre-fader / post-fader, mediante y envío auxiliar, usando una inserción o antes de que la señal llegue a la mesa de mezclas. En general, la reverberación a las voces se agrega post fader a través de un envío auxiliar. Punchy Kick drum se inserta pre-fader a una puerta y compresor o pre-fader a través de un envío auxiliar a una o ambas puertas y compresor.

No hay una forma correcta o incorrecta de hacer ninguna de las cosas que se tratan aquí, pero con el tiempo y probando diferentes cosas, se te ocurrirá un método para lograr un buen sonido en vivo. Nunca tengas miedo de intentar algo y que salga mal es la única forma en que realmente aprendes.

Audacity – La incomprensión y la vida creativa

Una de las cosas que he aprendido sobre mí a lo largo de los años es lo grande que es mi miedo a ser incomprendido. No sé si mi experiencia es universal, pero soy una de esas personas que encuentra las fallas de comunicación más difíciles de aceptar que la mayoría de las otras formas de perder el control: ponme de pie, grítame, etc., pero no lo hagas. ¡no me entendiste! Ser intérprete y escritor solo magnifica estas fallas de comunicación, por supuesto, porque si bien siempre hay personas que adoran mi trabajo o lo desprecian con vehemencia, la gran mayoría de las respuestas a lo que hago toman lo que a veces puede parecer una forma insoportablemente neutral. : un encogimiento de hombros, cambiando de tema, o la simple y mortífera expresión: “No lo entiendo”.

Si bien las fallas en la comunicación pueden ser dolorosas para el artista sensible, sin embargo, en realidad son la base del arte en sí. Una definición negativa de lo que no es el arte podría expresarse de la siguiente manera: todo lo que no sea susceptible de malentendidos no es arte. Los comerciales, por ejemplo, funcionan de esta manera, al intentar reducir el rango de respuestas de la audiencia a una opción. Si tienes hambre, ¡quieres una hamburguesa de Wendy’s! Si es sensato, ¡compre en L.L. Bean! Una persona que se enfrenta a tal mensaje puede estar de acuerdo o no, pero no hay lugar para que lo malinterpreten. Nadie responde a un comercial de Wendy’s diciendo: “No lo entiendo. ¿Por qué una hamburguesa?”

Goethe escribió una vez que “en todo artista hay un toque de audacia sin el cual no es concebible ningún talento”. “Audacia” es una de esas palabras interesantes que sugiere tanto la presencia como la ausencia de control por parte de quien lo posee. La audacia implica inestabilidad por un lado – la persona audaz trastorna o destruye las normas y expectativas de las personas – y sin embargo, la palabra proviene del latín “audere”, que también significa tener un plan, intención o deseo consciente. Así, la persona audaz también posee control sobre lo que hace. Y en la tensión entre estas dos facetas de la palabra se esconde un secreto sobre el arte: el arte debe trastocar los modos normales de comunicación al mismo tiempo que contiene dentro de sí un núcleo de intención que no puede ser cuestionado. El artista es como un nadador cuyas extremidades están sumergidas en el agua, donde el agua representa el desorden de la comunicación. Una persona así no puede luchar contra el caos en el que flota, pero también debe mantener parte de su cabeza por encima para poder respirar. El arte, entonces, prospera solo cuando los artistas aceptan simultáneamente los malentendidos y también mantienen una parte de sí mismos al margen de ellos.

¿Cómo se hace esto? ¿Cómo puede un artista crear un espacio en el que las opiniones de los demás no le influyan? No es, como piensan algunas personas, volverse indiferente a las críticas. Un artista que puede ser verdaderamente indiferente a la crítica probablemente también será indiferente a su propio juicio interno, es decir, será un mal artista. No, creo que la clave para poder mantener el equilibrio frente a las críticas y los malentendidos no tiene que ver con el cultivo de la indiferencia, sino con el cultivo de la intención. Es decir, si un artista tiene la verdadera convicción de que tiene algo de valor para compartir con el mundo, entonces su obra, ipso facto, no solo se vuelve valiosa, sino que también deja de depender de una forma de recepción para su validez. Dicho de otra manera, cuando un artista se acerca al arte como un proceso condicional, por ejemplo, al pensar: “Si toco esta canción para ti, entonces te sentirás de cierta manera”, se pone en una posición de debilidad y juega con el manos del malentendido. Si se acerca al arte sin condiciones, por ejemplo, pensando: “Yo he hecho esto; ahora es tuyo para interpretarlo y usarlo como mejor te parezca”, se pone a sí mismo y a su arte en una posición de fuerza en la que el llamado ” Los malentendidos “sólo adornan y amplían su obra en lugar de restarle valor”.

La audacia artística, entonces, no tiene nada que ver con ser “impactante” – poner crucifijos en botes de orina, etc. Es, más bien, simplemente la actitud de independencia que todo artista necesita cultivar para evitar que su obra lo guíe. en la decepción, por un lado, o en ser cooptado por la publicidad, por el otro. Este tipo de audacia es una mentalidad que carece de cualquier atisbo de agresión; de hecho, es en realidad un tipo de gentileza, ya que se basa en la idea de que el arte no impone cargas a nadie y no requiere nada de los demás. Este tipo de audacia es una forma de inofensividad, se podría decir, una forma de relacionarse con el mundo basada en dar más que en recibir. Sobre todo, la audacia nunca busca el éxito, porque es éxito.

Excelentes Productos En Línea Para Guitarristas

Hoy en día, hay muchos productos excelentes disponibles en línea para guitarristas de todos los niveles. Ya sea que esté comenzando o haya jugado durante veinte años, hay algo para todos. Recientemente me encontré con el sitio que tenía información sobre algunos productos excelentes. Después de revisar el sitio, decidí profundizar en el curso de instrucción de JAMORAMA.

El curso JAMORAMA fue diseñado por Ben Edwards, el ex guitarrista principal de la popular banda “DegreesK”. Ya sea que desee comenzar una banda, tocar en clubes, escribir sus propias canciones originales o simplemente convertirse en un gran guitarrista, este curso tendrá lo que busca. No importa en qué nivel se encuentre (principiante, intermedio o avanzado), este curso tiene toda la información y la calidad de instrucción para que usted mejore. Lo bueno de este curso es que el propietario del sitio incluso está dispuesto a darte un curso de 6 días absolutamente gratis. Todo lo que hice fue ingresar mi nombre y correo electrónico y me lo enviaron de inmediato.

El curso completo en sí tiene 44 capítulos y 252 páginas de lecciones. Comenzando con un principiante completo de “No sé a dónde van mis dedos” y te lleva a “¿Cómo me volví tan bueno?” En el nivel avanzado de la guitarra. También hay 148 videos tutoriales paso a paso para que los siga. Al ver estos videos, realmente me impresionó la calidad. Hay varios ángulos de cámara y gráficos animados de vanguardia que son muy fáciles de seguir. Jam tracks, software adicional y consejos y trucos adicionales, todos también incluidos en el curso. Está totalmente respaldado por una garantía del 100%, por lo que si cree que no vale la pena, pídalo de vuelta.

Velocidad de grabación de guitarra

Me encontré con un curso en línea que es realmente diferente. Ahora, Guitar Burning Speed ​​definitivamente no es un curso solo para principiantes. Este es un curso para todos los que alguna vez soñaron con triturar como sus héroes. La velocidad de grabación de guitarra promete aumentar su velocidad de interpretación hasta en un 400%.

Guitar Burning Speed ​​te promete que en tan solo dos semanas podrás tocar tan rápido como los dioses de la guitarra como Eddie Van Halen, Yngwie Malmsteen, Joe Satriani, Kirk Hammett, Michael Angelo Batio, John Petrucci, Zakk Wylde, Slash , Randy Rhoads, Steve Vai, George Lynch, Ace Frehley, Herman Li.

Guitar Burning Speed ​​también viene con una muestra de ‘The CAGED Guitar Scale System’, este increíble libro te enseñará cómo tocar y escribir tus propios solos, improvisar en y teclear, ¡y ser capaz de volar sin esfuerzo por el diapasón sin siquiera pensar! Si unes los dos libros, te convertirás en un gran guitarrista.

Suena genial, pero ¿es cierto?

Bueno, después de aproximadamente una semana de seguir su sistema, comencé a notar mejoras definitivas. Mi velocidad inicial fue de alrededor de 120 bpm. Al final de la semana, estaba escogiendo cómodamente a 165 bpm.

Un salto en la velocidad de 45 bpm durante una semana puede no parecer tan importante para algunos, pero es un gran problema para mí, dado que tengo los dedos cortos para empezar. Siempre pensé que mi única esperanza sería que alguien inventara extensiones para los dedos. La razón por la que las técnicas de Charlie funcionan es porque se enfocan en los puntos débiles más comunes.

Para la mayoría de los guitarristas, las áreas problemáticas se reducen a la coordinación entre las manos derecha e izquierda, la velocidad de la mano que toca y la fuerza del dedo meñique. Charlie aborda todas estas áreas problemáticas y más a través de una serie de ejercicios enfocados diseñados para desarrollar fuerza y ​​velocidad en ambas manos.

Por ejemplo, uno de los primeros ejercicios se centra en la destreza de los dedos. La destreza, en lo que respecta a tocar la guitarra, significa la capacidad de mover un dedo mientras se mantienen quietos los otros dedos. También incluye material adicional muy útil, como: un metrónomo de escritorio, un libro tutorial rápido sobre el sistema de escala ‘enjaulado’ y un extenso conjunto de pistas de batería midi para que toques.